你是不是走进美术馆，看到一幅幅画作，通常会陷入一种未知茫然，看着满墙笔墨，分不清好坏，看不出门道，往往只能走马观花，拍照打卡。

其实欣赏国画，不需要满腹的艺术理论，也不用强行记住晦涩的专业名词。

观画，本应该是一场轻松闲适审美活动。普通人看画，不必追求“看透全部”，学会几个简单角度，就能够读懂画作里的乐趣。

看整体氛围，感受画面传递的情绪

看到到一幅感兴趣的画，我们可以先别急着凑近抠细节，先往后退几步，看看整画面带给我们的第一感受。

是开阔辽远，还是清幽孤寂？是热闹鲜活，还是淡雅宁静？

宋代院体山水，整体气象宏大壮阔，铺展的是祖国山河的磅礴；元代文人山水，画面留白很多，淡淡的笔墨，流露的是画家淡泊避世的心境。

有的花鸟，色彩鲜亮热闹，满是人间烟火吉祥期许；有的水墨作品寥寥数笔，清冷又疏离。

我们的直观感受，就是欣赏画作的第一步。不需要标准答案，你的感动、平静、震撼，都是读懂画作的证明。

看笔墨，感受笔尖的力量

如果说色彩是画作的外衣，笔墨就是国画的灵魂。

毛笔的快、慢、轻、重，全部留在纸绢之上。

同样是画山石，有的笔触苍劲厚重，顿挫有力；有的线条柔和飘逸，行云流水。

水墨里面讲究墨分五色，焦、浓、重、淡、清，仅仅只用黑色的墨，就可以分出丰富层次。

不用纠结专业术语，我们只需要看到：线条是硬朗还是婉转？墨色是浓郁深沉，还是清淡朦胧？

看画家运笔留下来的痕迹，感受落笔时候的心境。

看构图留白，空白处也藏着大学问

国画和西方绘画很大的不同，就是善于运用留白。

南宋的边角山水，只取山水一角，大片纸面留作空白，没有画一物，却让人仿佛看见云雾、江河、晚风。

留白不是没画完，而是留给观看者想象的空间。

我们可以看一看：景物放在画面哪个位置？哪里满满当当，哪里空空荡荡。

画里的山、树、人物如何排布，画面是挤得满满当当，还是疏密有致。

虚实相生，这便是中式独有的浪漫。

看色彩，颜料背后的岁月故事

驻足画作之前，也可以留心画面的色彩。

不少古画能够历经数百年依旧光彩照人，依靠的是矿物颜料。石青、石绿稳定性极强，千百年依旧色泽浓郁；而植物颜料质地娇弱，随着时光流逝，会慢慢淡化褪色。

我们看到有些古画颜色暗淡，未必是画家原本画得灰暗，而是一部分是颜料历经岁月发生的变化。如今我们除了延续古法的传统矿物颜料以外，也拥有了品类更丰富，色彩饱和度更高的新式绘画颜料，我们看的不仅是画面本身，更是画师对色彩表达的不断探索。

读题款印章，画外的文字信息

一幅国画，不只有图像。画面边角的诗词、落款、印章，也是画作的重要组成部分。

画家会在画上写下作画的缘由、抒发的感慨，盖上自己的印章。后世收藏者，也会留下鉴藏印。画是画面，题字是心声。画是景，诗是情，诗书画印合在一起，才是完整的中国书画。

看不懂书法也没关系，看一看印章朱红的色块，感受书画、文字、篆刻三者融合在一起的独特美感。

给观展人的小寄语

很多人会有一个误区：看画，一定要说出这幅画好在哪里。

其实观画没有唯一标准答案，我们的审美是非常多元的。

看得懂技法是收获，被画面打动，同样也是收获。